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PARS PRO TOTO voir cette page en ENG/FR/NL

08.09 - 22.10.22

SB34 / Clovis
Clovislaan 83-85-87
1000 Brussel

Faisant partie de la programmation OFFicielle de Brussels Gallery Weekend

 



 

L'exposition prend le décor du contexte comme point de départ de la réflexion plastique et philosophique et invite chaqu’un à revisiter le concept postmoderne.

"Pars Pro Toto", terme latin désignant un tout par l'une de ses parties constitutives, présente les œuvres de huit artistes, principalement locaux. Chacune des œuvres a quelque chose à voir avec la manière dont l'espace et la matière sont vécus comme un environnement et sont perpétrés le temps. Les éléments structurels et ornementaux sont au cœur de cette démarche.

À travers une recherche sur la forme et le langage, de la scène d'une fiction construite à partir d'objets et de cérémonies, émerge un rêve dont le spectateur est le protagoniste.

CONTEXTUALISATION HISTORIQUE

Une institution est un phénomène sociétal ayant une dimension culturelle, économique, politique et historique. La critique institutionnelle a notamment tenté de démontrer, sous l'influence des sémioticiens Umberto Eco (avec "Opera Aperta", 1962)  et Roland Barthes (avec "La Mort de l’auteur", 1967) la différence entre l'esthétique (déterminée par l'institution) et le goût (qui est personnel mais cultivé par l'institution) en mettant en question l'objectivité, l'identité, l'originalité et l'authenticité.

Dans la ligne des recherches que je mène depuis 7 années avec la plateforme d’exposition Société, l’art conceptuel et l’art algorithmique peuvent nous aider à formaliser une critique institutionnelle et à penser radicalement le lieu d’expression d’une exposition. L'art algorithmique et conceptuel peut être divisé en mouvements linguistiques, analytiques et synthétiques. Dans le cas du conceptualisme synthétique, la recherche se concentre sur la signification sociale, économique et politique de l'institution artistique et le sens réside dans le contexte.
 

Le contexte de l'exposition actuelle est celui d'une institution non lucrative gérée par des artistes, où les espaces de travail sont organisés autour d'un corps central d'exposition de décorum postmoderne. Dans cette réflexion, l'ancien et le nouveau, le pop et l'avant-garde sont mélangés et la technologie a sa place. Le choix d’établir une exposition dans un tel contexte est une invitation à adopter une attitude critique sur le l‘esthétique et le goût.

CONTEXTUALISATION CONCEPTUELLE

De texte a contexte

Dans les années 1960, la critique institutionnelle a remis en question l'espace (par exemple les œuvres de Michael Asher) et l'information (comme "News" de Hans Haacke, 1969). C'est la situation sociale, économique et politique des années 1960 qui est à l'origine de l'art conceptuel. De nouveaux formats ont fait leur apparition, dans lesquels, d'une part, l'œuvre et son support coïncident et, d'autre part, une distinction est faite entre l'œuvre et son support (cf. Seth Siegelaub : information " primaire " vs information " secondaire "). Cela a conduit à une expansion du contexte et de la forme dans lesquels l'œuvre pouvait apparaître (et être distribuée et promue), y compris l'espace architectural (par exemple, le "36" x 36" Removal to the Lathing or Support Wall of Plaster or All Board from a Wall" de Lawrence Weiner, 1968) et l'espace publicitaire (comme le panneau d'affichage de Joseph Kosuth dans "Text/Context", 1977).

À partir des années 1990, la critique institutionnelle a également remis en question la relation entre l'œuvre d'art et le spectateur (par exemple la participation de Santiago Sierra à la Biennale de Venise en 2003). Dans le même temps, les nouvelles technologies et les nouveaux médias ont donné naissance à de nouveaux formats dans lesquels la relation entre l'œuvre d'art et son environnement est remise en question sur la base de systèmes et de processus autoréactifs, génératifs, interactifs et connectifs. Dans les années 1990, le contexte a été étendu à l'Internet, la forme au net art et le support réduit à une adresse. Aujourd'hui, notre société est caractérisée par la consommation et l'information, et nous pouvons observer un espace socio-économique presque parallèle, où les gens se rencontrent dans des clubs virtuels et font leurs achats dans des halles virtuelles. L'art peut être vu dans des "salles de visionnage numériques" et sur des "plateformes de jeu" où l'on peut "activer", "créer" et "exposer" l'art (par exemple Animal Crossing, Minecraft, Occupy White Walls ou Second Life). Si vous cherchez bien, vous trouverez également des expositions sur le Dark Web (comme "Dark Content", Eva & Franco Mattes, 2015) et des concours d'architecture dans le Metaverse. Les principaux prix sont une parcelle de terrain et (non fungible) tokens; un nouveau format pour vendre, distribuer et certifier de l'art, et indiquer son authenticité.  L'architecture et l'art présentés dans ces espaces virtuels sont dématérialisés mais pas nouveaux - ils utilisent les mêmes éléments structurels et ornementaux.

De dématérialiser à immatérialiser

L'art conceptuel des années 1960 a mis l'accent sur la présence de l'absence de matière et l'installation est entrée dans le domaine de la composition, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur des contours de la toile, où la surface s'étend désormais dans l'espace. L'expérience (sensible) du spectateur a été étendue (avec l'intelligible) du regard à la lecture et du sentiment à la compréhension. Lorsque Jean-François Lyotard et Thierry Chaput ont composé l'exposition "Les Immateriaux" en 1985 comme une organisation de flux d'informations dans laquelle l'œuvre d'art était considérée comme une matière enrichie d'informations, ils se sont appuyés sur les idées proposées dans les notions de "dématérialisation de l'art" de Lucy Lippard et John Chandler et peuvent être considérés comme une mise en lumière de l'héritage de l'art conceptuel dans la condition postmoderne.

L'art algorithmique, à partir des années 1990, repousse à nouveau les limites de l'espace physique et de l'esthétique traditionnelle, laissant de côté les règles de la gravité et de la perspective. Aujourd'hui, l'"Air de Paris" de Marcel Duchamp prend un tout autre sens à la lumière du "Cloud", l'espace d'information entièrement dématérialisé et en réseau symbolisé par un nuage.


L'exposition "Pars Pro Toto" vise à réfléchir à l'héritage du postmodernisme et à mettre en dialogue la matière, la dématérialisation et l'immatérialité, dans une tentative de capturer une esthétique contemporaine complexe et l'équilibre fragile entre le support numérique et l’expression physique.

Commissariat: 

Els Vermang
 

Artistes:
Amélie Bertrand 
Julian Charrière 

Béatrice Guilleman

Sabrina Ratté

Sarah & Charles

Lucie Lanzini

Mathias Prenen

Maarten Vanden Eynde

Pictures: ​Silvia Cappellari

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